TRIPTYQUE FILMS

2012-02-14T08:18:00.005+01:00

Triptyque Films est une société de production documentaire. Elle réunit trois réalisateurs-producteurs. Elle entend produire des documentaires de création exigeants, qui reflètent la diversité des goûts et envies de ses créateurs, depuis des projets de recherche, jusqu’à des projets plus classiques.

Nous exigeons de nous-mêmes et des auteurs que nous produisons une vraie réflexion sur la mise en scène : qu’elle soit discrète ou visible, classique ou expérimentale, c’est elle, donc le désir de cinéma, qui prime.

Triptyque Films est créée en février 2010. Son catalogue compte déjà huit courts métrages, Après le feu, Pompéi (nouvelle collection), Pingouins, Le Crépuscule, Impressions, Découverte d'un principe en case 3, Laissez ici toute espérance et une Passion. Cinq autres films sont d'ores et déjà en chantier.

EN BREF, LES DERNIÈRES NOUVELLES DE TRIPTYQUE FILMS

PRIX
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* Charles H. Drouot est lauréat de la Clé d'Argent au Festival Ciné-Psy de Lorquin, pour son film UN DOCUMENTAIRE SUR MON PÈRE.

* Jacques Perconte est lauréat du Prix GNCR au Festival Côté Court de Pantin, pour son film APRÈS LE FEU.

PROJECTIONS
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* DÉCOUVERTE D'UN PRINCIPE EN CASE 3 est en Compétition Française au Festival Cinéma du Réel 2012, à Paris, au Centre Georges Pompidou. Le film sera projeté trois fois :

-    Jeudi 22 mars à 18h30, séance suivie d’un débat avec le public en Cinéma 1

-    Samedi 24 mars à 18h00, séance suivie d’un débat avec le public en Petite Salle

-    Samedi 31 mars à 17h00 au Centre Wallonie Bruxelles

EXPOSITIONS
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* Du 15 février au 24 mars 2012, Jacques Perconte expose à la Galerie Charlot. L'occasion de découvrir l'installation dérivée d'Impressions, ainsi que deux nouvelles pièces : un diptyque vidéo sur la forêt de Fontainebleau, et un nouveau film, Les Moutiers. Projection de uishet en extérieur, de la nuit tombée à minuit (du mardi au samedi).

* Dans le cadre de la Semaine de l'Art, qui se tient du 20 au 25 février 2012 à Pauillac, Diane Sara, expose ses travaux, et notamment une version provisoire de Quand je serai grande, je serai footballeur, que Triptyque Films produit.

PUBLICATIONS
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* On parle de DÉCOUVERTE D'UN PRINCIPE EN CASE 3 sur ParisMatch.com.

* Découvrez toutes les photos de l'exposition DO 1 MOVE Y0U, prises par Marie Dubaille.

* BREF n°94 (sept/oct 2010) met APRÈS LE FEU en couverture. Rodolphe Olcèse signe un article retraçant la carrière et l'art de Jacques Perconte. Vous pouvez acheter chez Chalet Pointu le DVD "La petite collection n°19" sur lequel figure le film.

* Un bel article sur APRÈS LE FEU est paru dans le n°21 d'ArtPress2 !

* Découvrez quelques extraits, consacrés à Jacques Perconte, de la conférence de Nicole Brenez au Fresnoy.

* Retrouvez l'article de Jacques Perconte, Bien plus fort que la Haute Définition, dans le deuxième volume des travaux de l’Ecole doctorale 441 Histoire de l’art, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Le cinéma critique - De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle, sous la direction de Nicole Brenez et de Bidhan Jacobs.

* Jacques Perconte, au Festival Côté Court de Pantin, parle avec la rédaction de Bref d'APRÈS LE FEU, de SATYAGRAHA et de son nouveau projet, IMPRESSIONS, que Triptyque Films produit.

Christophe Bisson

2012-02-07T19:40:00.001+01:00

Christophe Bisson a 42 ans. Après un parcours universitaire en philosophie à l’université Sorbonne-Panthéon, il se consacre ensuite aux arts plastiques et vidéos. Il se spécialise dans un premier temps sur la question de la représentation des événements historiques extrêmes (Shoah, Hiroshima, Tchernobyl).

En 2006, il expose sa série Sarkophagos au Centre de Culture Contemporaine de Barcelone dans le cadre de l’exposition Il était une fois Tchernobyl. Il est invité en octobre 2007 par l’Université de Queens College à New York pour diriger une masterclass avec les étudiants en Arts plastiques. Cette même année, avec le soutien de la fondation allemande Heinrich Böll, sa série de photographies consacrées à Tchernobyl a été présentée dans plusieurs grandes villes turques : Istanbul, Ankara, Sinope...

Il intervient deux années de suite à l’Université d’Europe Centrale de Budapest dans un séminaire d’Histoire contemporaine consacré aux régimes de représentations historiques collectives et individuelles. Thèmes des interventions : Peut-on représenter une catastrophe techno-scientifique ? ; Quelles représentations artistiques après Auschwitz ?

En 2007, il est missionné par le Conseil Régional Rhône-Alpes pour concevoir et réaliser un événement culturel autour de la catastrophe de Tchernobyl : conférence internationale, exposition artistique et photographique, théâtre, cinéma documentaire. ENS-sciences de Lyon.

La même année, en s’associant avec la réalisatrice New-Yorkaise Maryann De Leo qui a obtenu en 2004 l’Oscar du meilleur film documentaire, il réalise le documentaire White Horse, très remarqué dans les festivals internationaux. Nominé pour un Ours d’Or à la Berlinale, le film sera même diffusé sur le prestigieux network américain HBO.

Depuis lors, Christophe Bisson se concentre sur son activité de documentariste, menant en parallèle un cycle de films basés sur des textes littéraires (Isaïe, Feast of Crispian) et un cycle qui interroge la norme à travers la pathologie (Road Movie, Une Métamorphose). Ses films sont montrés à la télévision (HBO, Canal +) et dans des festivals prestigieux, français et internationaux, tels que la Viennnale, le Cinéma du Réel, le FID Marseille, etc.

Site officiel
Voir une sélection de ses films sur Vimeo

Une Métamorphose

2011-10-29T13:27:00.004+02:00

Mise en scène : Christophe Bisson
2012 - 16/9 - HD - 52 minutes

Avec le soutien de la Maison de l'Image de Basse-Normandie

La laryngectomie totale, mutilation touchant le visage et la voix, est vécue comme une profonde métamorphose. Joël Perrotte a été laryngectomisé en 2007.

Devenu muet, sa première réaction a été de se replier hors du monde, dans le sous-sol de sa maison.

C’est grâce au soutien de sa femme qu’il est remonté à la surface, qu’il a pu trouver la force d’apprendre une nouvelle voix pour retrouver une place dans la communauté.

Le film sera le récit de cette incroyable métamorphose.

Le film est en cours d'écriture.

une Passion

2011-10-12T21:20:00.001+02:00

Mise en scène : Thomas Jenkoe
Assistant au montage : Charles H. Drouot
2011 - 16/9 - HD - 6 minutes 44 secondes

Un moment noir de la vie, exorcisé à vif, au téléphone portable.

DO 1 MOVE Y0U : TRIPTYQUE FILMS EXPOSE !

2011-09-30T14:25:00.000+02:00

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Du 18 octobre au 5 novembre,
TRIPTYQUE FILMS
expose le travail de ses auteurs

à la GALERIE G - l'Art au Garage,
23 rue des Lilas, 75019 PARIS
(à l'angle de la rue Eugénie Cotton)
M° Place des fêtes.

la galerie est ouverte du mercredi au samedi de 15h à 19h
(et sur RDV 06 61 91 96 08)
et pendant les soirées exceptionnelles prévues
(voir le programme)

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Contacts :

L'art au Garage / Galerie G : http://lartaugarage.over-blog.com/
artaugarage@gmail.com / Rebecca Young 06 61 91 96 08

Triptyque Films : http://triptyquefilms.blogspot.com/
triptyque.films@gmail.com / Guillaume Massart 06 31 04 17 24

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AU PROGRAMME DE L'EXPOSITION

* I LOVE YOU
Jacques Perconte
http://jacquesperconte.com/

Deux installations par l’un des pionniers français de l’art numérique

"It’s All About Love"
Ou comment mesurer numériquement la quantité d’amour contenue dans une photographie.

Une collection d’images de celle aimée. Une suite d’infinis photographiés.

Une collection qui a commencé en 2003 et qui a vu les images s’accumuler par milliers.

Quand est venu le temps de choisir parmi toutes celles gardées, j’ai écrit un programme pour voir ce qui ne se voyait peut-être pas assez, pour révéler ce qui dans ces images touchait ce que je cherchais…

Et à partir de là, les images se sont encore démultipliées…

"Impressions"
Une envoûtante fusion des paysages de la côte Normande et des pixels de la compression. Une promenade sensorielle entre vents et marées.

C’est l’histoire d’une rencontre avec un paysage. Je vous y emmène. Nous voici dans la campagne normande où, au milieu d’immensités vertes, les vaches blanches reflètent la lumière humide. Le ciel change à chaque minute. La pluie et le soleil se croisent et dessinent çà et là des arcs-en-ciel. Mais le pays, celui-là même qui a été tant peint par les peintres impressionnistes, reste immobile. Même s’il est soufflé par le vent, même si les vagues frappent de toutes leurs forces les falaises à pic.

La terre est claire. Le marron légèrement boueux mène aux plages de galets gris. On doit descendre pour suivre le chemin qui mène à la mer. Elle s’agite en bas.

Depuis un moment déjà, l’image se manifeste de plus en plus bruyamment. La Normandie filmée se transforme et de nouvelles couleurs se révèlent.

C’est un été qui s’annonce. Un été virulent et plastique. Comme il est impossible de rendre ce qu’est ce paysage, l’image en tire une interprétation. Elle devient le support de ces sentiments que la Nature suscite. Ses formes dialoguent avec celles des arbres, des nuages, de la mer. C’est le cœur qui fait place à la vision.

Marée haute. Les vagues de couleur balancent leurs lames de toute part et les écumes bleues et vertes glissent sur les pentes qui se laissent pénétrer par la lumière. Tout se mélange. Terre, mer et ciel communiquent. Voilà l’agitation des grandes marées, celle qui fait perdre pied. Toute notion du temps disparaît, le spectacle nous enlève.

Et puis soudain un vide, un silence. Je me retourne. Et je fixe le chemin qui mène au ciel. Quelque chose vient vers moi en empruntant le chemin qui descend de la falaise. Une petite masse noire naît du magma de couleur. Elle grossit, elle s’approche ; c’est une femme. Elle est à contre-jour. On ne voit plus rien qu’elle. Elle éclipse – littéralement. On ne voit plus. Du noir naîtront de nouvelles couleurs extraordinaires qui nous mèneront des rouges et des roses, au blanc merveilleux de la lumière.

* DISORDER
Diane Sara & Thomas Jenkoe

Vidéos, photographies et installations, par deux artistes contemporains émergeants

À l’ère de l’iPhone et de la circulation des images, un couple partage le chaos d’une expérience intime, abolissant les frontières entre vie et création.

Une plongée dans l’univers de la folie au travers d’une installation en 3 mouvements.

De la version réelle et documentée d’un évènement traumatique à sa sublimation par l’art.

EN MARGE DE L'EXPOSITION, 6 SOIRÉES SPÉCIALES

MARDI 18 OCTOBRE - 18h30

Apéritif de vernissage

JEUDI 20 OCTOBRE - 20H30

Concert de 3.3

VENDREDI 21 OCTOBRE - 18H30/0H00

Tango Hors Piste au Garage

Tango nuevo, electro et alternatif

MERCREDI 26 OCTOBRE - 20H30

Projection du film de Christophe Bisson

‘ROAD MOVIE’

"Autoproduit, tourné à l'économie précaire d'une mini-DV en autofocus, le film, qui se déroule dans un foyer s'inscrivant dans le même champ de psychothérapie institutionnelle que celui de La Moindre des choses de Nicolas Philibert, prend le pied complètement inverse des attentes du cinéma direct en institution. A partir de ses heures de rushes, Bisson n'a pas tenté de bâtir une narration classique, faite de suivi des personnages sur une période donnée, de développement psychologique, de constructions de raccords d'action, aux mensonges desquels il faudrait consentir. Plutôt que d'installer, Bisson perd, retranche, enlève, ne conserve que ce qui le saisit, dans une épure particulière, ne tendant pas à cette contemplation académique qui vérole tant de films, mais bien à une forme de stupeur. Y importe en somme quelque chose qui en renvoie à la temporalité de la peinture, sans pour autant qu'aucune raideur ne l'emporte. Le lo-fi numérique le permet, dont la vibration primitive anime l'image d'une pulsation unique. Bisson y trouve ses moments de parfaite suspension, travaillés par la lumière qui dévore chaque fenêtre surexposée, par la fragilité machinique de l'autofocus (défaut complètement magnifié dans l'époustouflant plan-séquence final, qui souligne très frontalement le rapport du film à la peinture, mais avec uniquement des outils de cinéma, notamment une utilisation de l'extrême bord-cadre franchement culottée et jamais vue ailleurs), par l'angoisse de l'effondrement qui menace chaque plan, et de fait par le ravissement de sa tenue malgré tout ; davantage que par quelque envie de scénariser. Le cinéma arrive autrement : à se poser des questions de représentation, sans en imposer aucune. Road Movie est un film de propositions de regards stupéfaits sur un monde de mouvements et de volontés suspendus, même souvent atrophiés. Qu'il n'y ait rien à y comprendre est une mauvaise analyse : tout y est à ressentir et tout y est senti - la folie, l'égarement, la paralysie intellectuelle, la torpeur médicamenteuse... La clinique n'est pas le motif du film : elle est sa nef, elle le porte davantage qu'elle y est contenue. C'est ainsi que Road Movie documente, mais sans jamais informer ; car il n'y aurait rien à dire." - Guillaume Massart

MERCREDI 2 NOVEMBRE - 20H30

Projection du film de Jacques Perconte

‘IMPRESSIONS’

"Jacques Perconte appréhende le numérique selon une approche physique permettant une emprise plus grande de la pensée sur les paramètres du sensible, du visible, de l’audible, entendus comme vibrations et sensations. Cette approche physique se décline à partir de la compréhension et de la critique de la nature, des propriétés intrinsèques et. des processus du numérique – des potentialités aux défaillances – et en déploie les puissances selon une reprogrammation de la captation, une libération des signaux et un décodage de la visualisation." - Bidhan Jacobs

SAMEDI 5 NOVEMBRE - 19H

Apéritif de Finissage

Projection du film de Diane Sara

‘QUAND JE SERAI GRANDE JE SERAI FOOTBALLEUR’
(work in progress)

"Il y a du Bunuel, du Hitchcock, du Lynch dans ce cinéma-là, et surtout une vérité et une émotion qui m’ont beaucoup touchées. Et puis je crois qu’il parle du monde du spectacle, de la gloire et du passage à l’âge adulte. Ce sont des thèmes qui me parlent et me semblent très actuels." - Jean-Baptiste Morain

Prolongez l’expérience et retrouvez Jacques Perconte le 28 Octobre à la Cinémathèque Française pour une carte blanche : à 19h30 pour un programme historique, puis à 21h30 pour un programme monographique.

51 rue de Bercy - 75012 PARIS / M° 14, Bercy

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Physiopolis IV

2011-06-14T10:09:00.011+02:00

Mise en scène : Guillaume Massart & Adrien Mitterrand
2011 - 16/9 - HD - 52 minutes

Deux documentaristes partent mettre en scène un film sur une île étrange, dite de Physiopolis, dissimulée dans un creux de la Seine. Les résidents, qui tiennent le lieu secret, leur apprennent qu’une partie de l’île est interdite d’accès. Les ruines d’une piscine Art Déco construite dans les années 30 s’y laissent envahir par la végétation et hanter par des fantômes…

Entre bungalows et couloirs abandonnés, traversées en bateau et marches nocturnes, récits de vacances et silences spectraux, les réalisateurs plongent dans les mystères de l’île.

Le film est en phase de réécriture.

Adrien Mitterrand

2011-06-14T09:23:00.011+02:00

Entré dans le court-métrage par la porte du genre, Adrien Mitterrand réalise tout d’abord avec trois bouts de ficelles plusieurs films de fiction. Avide d’explorations et de bricolage, il s’essaye au fantastique (Prysm, 2005), à la science-fiction (Sun Valley, 2008), au film d’épouvante (Habité, 2009).

Depuis son travail à l’image avec Guillaume Massart sur Passemerveille, puis sur Les Dragons n’existent pas à l’écriture et à l’image à nouveau, il trouve un nouveau terrain d’expression dans le documentaire, sans pour autant renier ses passions premières. La fiction, ainsi que les métaphores ouvertes par le fantastique, sont toujours au cœur de ses réflexions. Son nouveau projet avec Guillaume Massart, Physiopolis IV, qu’il co-réalise, est bien là pour le démontrer.

Impressions

2011-02-18T16:17:00.032+01:00

Mise en scène : Jacques Perconte

2011 - 16/9 - HD

Avec le soutien du CNAP
et du dispotif "Images Différentes" de Haute-Normandie

Sur la côte Normande, les pieds dans l’eau, face aux vagues et aux vents ou sur l’à-pic des falaises, la lumière passe entre les nuages et l’eau en suspension me mouille le visage.

Je raconte ce qu'il y a là, les impressionnistes qui venaient peindre. Mais l’image du film ne pense pas à être fidèle. Elle s’agite. Le paysage se transforme. Les couleurs s’écrasent sur l’écran.

Quelque chose se passe à cet endroit...

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Visitez le site officiel du film

Premier article à mentionner le film :

L’artiste français Jacques Perconte initia en 2003 une série de films numériques qui explorent le paysage, et surtout son image, et qui accueillera cette année son sixième rejeton, Impressions de, une référence et révérence aux Impressionnistes auxquels il a toujours été incidemment rapporté par la critique.

Comment ne pourrait-il pas l’être? Grâce à un travail méticuleux et artisanal de compressions multiples, de collages et de superpositions, Jacques Perconte raconte l’histoire de la pixellisation structurelle et vibrante qui donne une nouvelle expression formelle à tout changement simple de la lumière et du vent, qui, entre autres, anime doucement ses paysages vidéo. Comme les Impressionnistes usaient autrefois de coups de pinceau morcelés de couleurs non mélangées pour traduire en termes plastiques la lumière et la chaleur qui ont capté ce paysage d’un instant, Jacques Perconte utilise les imperfections évidentes ou les aberrations – on pourrait dire dans une époque qui fait l’éloge d’une définition de plus en plus déterminée- de ses images qu’il a soumis à une énorme perte de données. « Un bug n’est pas une erreur pour le programme, il ne devrait pas en être une pour moi », dit-il.

Une promenade chanceuse est à la source de tous les films de la série, car l’artiste se déplace souvent avec une caméra à portée de main, comme les Impressionnistes avec leurs tubes de peinture et chevalets. Pour Impressions de (2010), Jacques Perconte recueille actuellement des images en Normandie, suivant un sentier de pèlerinage qui suit les peintres de la fin du XIXe siècle. Tous les autres films uaoen (2003), uishet (2007), Pauillac-Margaux (2008), Le Passage (2009) et Après le feu (2010), ont été tournés en transit, à partir de la fenêtre d’un train, une voiture, ou même en navigant en bateaux. Quelle que soit la connexion spéciale et romantique que Jacques Perconte peut avoir avec la nature qui se déroule sous ses yeux au moment de l’enregistrement, la narration numérique derrière le paysage se dévoile de retour à son studio, jour après jour, compression après compression, aberration après aberration, couches après couches, jusqu’à ce que l’instinct de l’artiste et sa sensibilité lui indiquent que l’œuvre est finie. Qu’y a-t-il?

« Les scénarios de mes films sont dictés par la géographie des paysages, ainsi que l’histoire qui se déroule au cours de leur perception. D’une certaine façon, ils sont des promenades. Le récit s’installe dans les transformations dont l’image souffre. D’abord et à priori naturaliste, cela met l’accent sur le paysage, sa plasticité ; il devient alors moins objectif, peut-être plus impressionniste. La lumière dessine, la couleur magnifie, la matière l’emporte, et, enfin, le paysage devient peu à peu abstrait. Familier d’abord, il devient un espace expressif et mental. « (Jacques Perconte)

Ainsi, dans chacun de ses films, le récit est l’histoire d’un changement fantasque et progressif de l’impression initiale du paysage de l’artiste contemplée par son viseur à son expression numérique sur l’écran de l’ordinateur par le biais des éclats de pixels colorés et fourmillants ; de la surface plane et l’apparence d’une image vidéo à la richesse organique et plastique qui se cache derrière le voile mince de la haute définition; du Naturalisme à l’Impressionnisme, et même dans une certaine mesure, le Fauvisme, si nous poursuivions ce jeu de comparaisons contingentes; de la perception et l’enregistrement original à l’imaginaire infini, l’image peut donc être transmise à travers les yeux des spectateurs. « Nous ne distinguons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image », dit l’artiste.

L’abstraction progressive de l’image en elle-même après l’introduction de l’exposition systématique à son référent originel et naturel, un paysage réel qui donna naissance à chaque film de la série, est en fait ce qui permet à l’image même d’être un espace mental: en perdant lentement la prise sur la réalité, le film devient un paysage qui lui est propre et son récit, même si il s’impose magnifiquement, n’est ni dictatorial, ni conceptuel, ni même trop technique (contrairement à la production de longue haleine). Il est naturel pour le spectateur de prolonger les films de Jacques Perconte avec sa propre mémoire et imagination, car ils ne prétendent pas autre chose que de bercer notre sensibilité, peut-être notre sens de la beauté. Dans une certaine mesure, l’expérience est proche de l’écoute de la musique. Flânerie est peut-être le seul mot d’ordre.

Avec Après le feu (2010), créé lors d’un voyage en Corse après un incendie de forêt, Jacques Perconte a ouvert une nouvelle dimension symbolique à ses paysages. Comme nous l’avons compris plus tôt, les travaux de l’artiste et ses expériences sont en communion avec les résultats dangereux que les programmes de compression des données peuvent rendre. Pour son dernier film, tout en recueillant avec soin et en combinant des bugs ou des aberrations dans ses images, il a réussi à créer l’illusion d’une profondeur dans son décor qu’il n’existait tout simplement pas dans le paysage d’origine corse. Sur l’écran, dans une vallée qui semble suivre le cours du train, à l’arrière de laquelle l’artiste enregistrait des images, succède progressivement un vide immense, vertigineux, pixelisé, sous les voies. En d’autres termes, tout en tournant lentement son attention de l’extérieur à l’intérieur, du paysage perçu à son expression numérique, l’image réécrit littéralement et radicalement sa topographie naturelle afin de raconter une histoire entièrement nouvelle. Pourtant, et pour couronner le tout, du début à la fin, le film ne cesse jamais complètement de dépeindre la nature en dépit de tous les pixels aliénants, restés connectés à ce qui était autrefois la lumière chatoyante qui frappait les feuilles d’un arbre. Non-sens?

Les tours de magie de Jacques Perconte permirent à l’image de Après le feu non seulement d’être libéré, détrônant Mère Nature pour le Grotesque, mais aussi de devenir folle! Au cours du processus, il a gagné une âme qui est prête à réinterpréter radicalement notre perception contre nos sens -l’expérience empirique de l’extérieur-, tout en nous jetant dans son corps variable, infini et inépuisable. Il nous emmène sur une chevauchée fantastique qui nous inspire un sentiment accablant de Sublime. Si la série de paysages de Jacques Perconte peut être proche de l’esthétique des Impressionnistes, en passant ses paysages on ne peut plus romantique, pour leur beauté qui reste toujours « liée à la forme de l’objet », qui est en fait représenté par une « infinité » (Emmanuel Kant, Critique du jugement, 1790). Jacques Perconte réussit à concilier la beauté avec le Sublime dans sa Flânerie numérique contre l’idéal et la compréhension actuelle de la perfection de haute définition. Loin d’être reçu à nouveau comme froid, conceptuel et trop technique, ses abstractions numériques vibrent, ressentent et nous provoquent.

D’après Jacques Perconte, the Digital Image, and the Sublime by Violaine Boutet de Monvel, Digitalarti Mag (Paris), no. 2, Avril-Mai-Juin 2010 / traduit par Arjan Kok

Découverte d'un principe en case 3

2011-02-18T16:17:00.030+01:00

Mise en scène : Guillaume Massart & Julien Meunier
2010 - 58 minutes - 16/9 - HD

Avec le soutien de l'Association ChiFouMi, de la Saline Royale d'Arc-et-Senans et du Lieu Unique

Merci à Loïc Gaume pour l'affiche

Une vingtaine d'auteurs francophones de bande dessinée sont réunis dans le cadre de la résidence Pierre Feuille Ciseaux, qui les soumet à des contraintes précises, narratives et/ou graphiques, inspirées de l'OuBaPo, afin de révéler la diversité et les potentiels du langage de la bande dessinée.

Ainsi filmés au travail, ils donnent à voir la création artistique en acte, mélange d'application et d'incantation, de contrainte et de liberté, de technique et de magie.

Le montage du film touche à son but.

Premières projections prévues les 8 et 9 octobre à la Saline Royale d'Arc-et-Senans, dans le cadre de Pierre Feuille Ciseaux #3 !

Un carnet de tournage dessiné (merci à Aspirine, Révélation Blog au Festival d'Angoulême 2011), est visible sur notre Facebook.

Un making-of, "Tables lumineuses", dessiné par Julien Meunier, est à lire sur son blog. Trois épisodes, Intro, Ensuite et Encore sont déjà parus.

Christian Rosset : C'est un documentaire, certes, mais « mis en scène »... Comment ? Dès la prise de vue, au montage, ou plus certainement à travers les liens entre toutes les opérations ?

Julien Meunier : C’est à dessein qu’au générique nous avons préféré « mis en scène par » à la mention classique « réalisé par » – ce qui peut être étonnant au premier abord puisque le terme mise en scène contient l’idée d’une forte intervention sur ce qui est filmé, alors même que notre démarche impliquait que nous restions beaucoup en retrait pendant le tournage. Mais il nous semble que dans toutes les étapes de fabrication du film, du choix des cadres, des scènes, de leurs articulations entre elles, du rythme et des « personnages », il y a un tel degré de reconstruction, et dans des modalités qui nous sont tellement personnelles, que la mention « réalisé par » nous semble insuffisante. C’est une manière pour nous d’affirmer notre méfiance envers un rapport soi-disant objectif au réel dans le documentaire et envers l’arbitraire de la séparation entre documentaire et fiction. Bien sûr, tout cela est souple et peut se discuter. Puisque nous affirmons dans le même temps qu’il s’agit bien d’un documentaire, c’est donc que la différence avec la fiction existe – mais la limite est mouvante.

Guillaume Massart : Qu’il s’agisse de fiction comme de documentaire, il y a toujours du mensonge. Il y a montage, il y a choix de cadre, de durées, de motif... Donc, toujours, il y a mise en scène. Jules Renard, dans son Journal, relate cette inquiétude d’un visiteur qui ne comprend pas que l’écrivain puisse mettre tant de temps à copier un livre. « Il ne le copie pas, il l’invente », lui est-il répondu. « Il l’invente ! Alors, c’est donc pas vrai, ce qu’on met dans les livres ? » Ce n’est pas vrai, en effet, et c’est tout le beau culot du documentaire que de persister à vouloir porter ce nom, contre le reportage, contre la soi-disant objectivité, qui est le seul vrai mensonge. Il est évident qu’en filmant le réel, on le fait mentir. Des kilomètres de bobines de propagande le prouvent. Mais il y a diverses manières de mentir. Dans Découverte d’un principe en case 3, la présence de la caméra n’est jamais éludée. Les metteurs en scène sont là et savent que, par leur simple présence, ils influencent le déroulement des choses. La plus belle manière de mentir, c’est d’accepter et de dévoiler qu’on fait du cinéma. C’est ce qui fait qu’au générique de ce film, mais aussi de tous mes films précédents, mise en scène et documentaire sont systématiquement apposés. Certains préfèrent appeler ça documentaires de création, documentaires de cinéma, essais documentaires...

CR : Le « sujet » de ce film semble être autant le travail en train de se faire que le désœuvrement. Il y a de l'action, voire du suspense, mais aussi de nombreux temps morts, au meilleur sens du terme, quand l'attente permet de recharger les batteries de la création.

JM : Les temps morts sont aussi des moments de création. En bande dessinée, le passage à l’acte se fait par le dessin, mais il y a tout un processus en amont qui peut être invisible. C’est toute la difficulté de filmer le travail en bande dessinée, puisque que filmer le dessin ce n’est pas filmer la narration ou la structure qu’il va servir – ce qu’il faut, c’est filmer ce qui se trouve au cœur de l’acte créatif. C’était tout l’intérêt de filmer ce laboratoire. Le travail en groupe sur les contraintes et les inventions narratives permet de mettre en lumière tout ce qui peut précéder le moment où l’auteur prend son crayon. Le temps mort, celui avant et après le dessin, est celui qui nous intéressait. Paradoxalement, il nous semble que les « temps morts » du film sont justement ceux où les auteurs dessinent. Ce sont comme des moments de recueillement. Il y a finalement peu de moments dans le film où les auteurs ne sont pas au travail.

GM : Ces questions d’action et de suspense rentrent parfaitement en adéquation avec ce qu’on disait juste avant de la mise en scène. C’est ici que nous intervenons, en construisant ces attentes, ces ruptures, ces tonalités. Quand je dis que nous les « construisons », c’est au sens aussi de savoir les restituer d’après nature. Julien parle de recueillement et il se trouve que, les premiers jours, en écoutant les murmures de la salle de travail, en observant toutes ces nuques baissées sur leurs feuilles, consciencieusement, silencieusement, dans les rectangles de lumière découpés par les grandes fenêtres de la Saline, on ne pouvait pas s’empêcher de voir une assemblée de moines. De fait, cette idée de recueillement était à cueillir et à montrer par les moyens du cinéma, d’où ces plans fixes et leur durée, ces cadres privilégiant la géométrie du décor et l’air au-dessus des têtes, cette attention aux moindres gestes, aux moindres respirations.

CR : Quelle est l'importance accordée au son ? La surdité dévoilée de L.L. de Mars intrigue, d'autant plus que ce dernier apparaît presque en tant que « personnage » principal du film, par sa présence, sa parole ou sa gestuelle.

JM : Le son est un élément central du film, à plusieurs niveaux. Le point évident, c’est qu’il s’agit d’un film énormément axé autour de la parole. C’est par elle que nous avons accès aux enjeux de la résidence et à la recherche du groupe. Par ailleurs, les différentes ambiances sonores créent des espaces et des moments distincts. Par exemple la soufflerie dans la salle de travail installe une certaine tension, une concentration ; alors que le calme à l’extérieur place les auteurs dans une certaine sérénité, presque dans une atmosphère de vacances. La musique également a une place particulière. Elle fut très présente lors de la résidence, comme fond sonore ou comme pratique. Elle permet là aussi de définir certaines choses dans le film : un moment ludique lorsqu’on écoute du rock sur son ordinateur, ou un moment de solitude lorsque L.L. de Mars joue de la clarinette. Par là, ce sont des postures face au travail ou face au groupe qui peuvent se dégager. Pour ce qui est du personnage de L.L. de Mars, le moment où l’on apprend sa surdité est un moment de basculement du film. C’est celui qui met son personnage un peu à part, qui le distingue du groupe, l’isole et le singularise, jusqu’à en faire effectivement le personnage principal.

CR : Comme je l'ai déjà noté, il y a « mise en scène » ou « tentative de fiction » montrant des « personnages » en acte. Les « non-personnages », secrets, évitant la caméra comme Blexbolex, sont quasiment absents alors que leur travail pratique a porté au plus haut (du moins à mon sens) cette utopie collective de Pierre Feuille Ciseaux. Il y a donc des absents subliminalement présents – et comme le dit L.L. de Mars (encore lui) : « Vous ne filmez pas le travail secret dans les chambres. »

JM : Ce fut dès le départ la part incontrôlable de notre projet. Il était hors de question pour nous de forcer la présence des auteurs devant notre caméra, nous étions donc tributaires du désir de chaque artiste de nous accueillir ou pas (même si des choix ont aussi été faits au moment du montage). L’apparition d’un personnage est d’abord une question de collaboration au moment du tournage, entre nous et la personne filmée. Il est naturel que cette collaboration n’intéresse pas tout le monde, ou parfois ne fonctionne pas. Il ne s’agit pas forcément d’exubérance ou de naturel devant la caméra, mais plutôt de nous faire une place ou pas. Mais il est vrai aussi que la présence de certains auteurs fait exister la relative absence de certains autres. Il n’y a pas d’égalité devant une caméra et un film n’est pas un processus démocratique, mais il nous semble que la réserve d’un auteur comme Loïc Gaume dit quelque chose de l’aisance de L.L. de Mars – je pense au moment où Loïc s’adresse à la caméra et dit : « Ça change tout maintenant que je sais que vous êtes là. »

GM : Avant le tournage, nous avions imaginé plusieurs scénarii. Selon les versions, nous allions tantôt vers un film véritablement collectif, une belle utopie du travail en groupe, où chacun aurait sa place dans les rouages d’une même machine ; tantôt vers la définition d’une poignée de personnages, qui s’extrairaient du groupe, que nous suivrions en parallèle sur différents projets. Au final, nous nous retrouvons avec un film au milieu de ces solutions. Cet entre-deux reflète bien les réalités d’une résidence d’artistes. Il faut bien comprendre qu’une telle expérience collaborative n’est pas habituelle pour les auteurs. D’ordinaire, le travail de la bande dessinée est clairement solitaire – c’est ce que les auteurs nous ont confié durant le tournage. L’un des pactes que nous avons passé avec eux et qui a fait qu’ils ont accepté notre présence parmi eux, était tout bonnement que nous ne gâcherions pas leur semaine. Que nous n’interviendrions pas, que nous ne serions pas dans le passage, que nous les laisserions faire à leur guise. La plupart des auteurs ne gagnent pas leur vie de leur art, cèdent sur leur temps de création solitaire à des boulots alimentaires. Venir à la Saline est une véritable récompense pour leur temps passé penchés sur leurs planches et c’est pour eux une chance littéralement extra-ordinaire. De fait, les filmer dans cette enclave hors de leurs pratiques quotidiennes, c’est les voir à la fois profiter d’être en groupe pour travailler à plusieurs mains, mais aussi quelque part lutter contre leur propension naturelle au travail solitaire. Il n’est de fait pas étonnant que quelqu’un comme L.L. de Mars veuille occuper le premier plan. Il le dit lui-même lors de la discussion houleuse autour du Distroboto : « Pour ma propre sociabilité, c’est bien que je sache de temps en temps où j’en suis avec les autres. » C’est là toute la complexité du personnage, qui par la rigueur et les exigences de sa pratique se sait marginal, mais qui est comme un poisson dans l’eau dans ce contexte de confrontation avec les autres. D’ailleurs, sa mise au premier plan est littérale et résulte d’un mouvement volontaire d’aller vers l’autre : c’est lorsqu’il vient nous rejoindre dehors, une nuit, sur le demi-cercle central de la Saline. Nous sommes alors dans une extase un peu niaise face aux éclairages nocturnes projetés sur l’architecture de Ledoux. Nous tournons des plans décoratifs, dont on sait bien nous-mêmes qu’il sont un peu inutiles, révérencieux – des plans de coupe, en somme, et nous ne sommes pas friands de plans de coupe. Puis, événement, il décide de venir nous voir ; et nous, nous décidons de laisser tourner. Le choix est commun et nous acceptons dès lors que notre mise en scène soit parfois connivente avec L.L. de Mars. Seulement, lorsqu’il décide de venir au premier plan, il ne maîtrise pas ce que nous faisons de notre arrière-plan. La grammaire de la HD permet une netteté des arrière-plans et nous en jouons : ainsi, même lorsque L.L. de Mars souhaite se mettre en scène, nous conservons l’agitation permanente du collectif derrière lui. Le seul moment où nous décidons clairement de le conserver comme unique personnage, c’est lors du débat final, avec ce très gros plan sur un fond uni. C’est l’instant où le film accepte ce rapport à L.L. de Mars, en décidant de se reconnaître dans son discours.

CR : Les noms des protagonistes ne sont jamais dévoilés au spectateur, sauf, collectivement, dans le générique de fin. Quel est le sens de ce basculement des auteurs dans l’anonymat ?

JM : C’est moins un basculement des auteurs dans l’anonymat que l’affirmation d’un groupe en premier lieu, et d’une attention au travail collectif plutôt qu’à des individus. Il était clair pour nous que nous ne souhaitions pas mettre l’accent sur un casting ou une bibliographie. L’anonymat est ce qui permet aussi une certaine abstraction de la situation. On se concentre plus facilement sur les gestes, les visages, les paroles. Par la suite, des personnalités se démarquent mais dans un mouvement progressif, qui correspond à une évidence de ce que nous avons vécu au tournage, et non à un programme de départ qui serait décidé par l’importance (relative) d’un nom par rapport à un autre.

CR : Le lieu semble à la relecture le « vrai » sujet de ce film, tant cet essai de création collective est liée à la Saline et à son investissement.

JM : La Saline Royale d’Arc-et-Senans est évidemment très importante. Elle fut le lieu de vie et de travail des ouvriers du sel au XVIIIe siècle, et cette histoire résonne de manière particulière dans la résidence Pierre Feuille Ciseaux, comme si les auteurs présents étaient à la fois en rupture et en filiation avec cette origine de la Saline. Et puis son architecture est étonnante et imposante, elle déréalise le cadre et isole les auteurs du monde extérieur. Cela donnait une ambiance de réclusion que les auteurs ressentaient tous, d’une manière ou d’une autre. Ce qui a beaucoup influé sur le ton du film et sur notre choix de donner au lieu une place particulière dans le film.

GM : Je ne crois pas qu’il s’agisse du « vrai » sujet du film. Il n’y a pas de « vrai » sujet de ce film ; ou bien il s’agirait de la conjonction des circonstances. On nous reproche parfois de ne pas avoir fait un film précisément « sur » la bande dessinée. Or, ce n’est absolument pas ce que nous cherchions à faire. Ça a été un véritable handicap pour le développement financier du projet : on n’avait pas envie de simplement filmer la bande dessinée. On voulait filmer ce moment extraordinaire qu’était la mise en communauté d’une vingtaine d’artistes dans un cadre complètement démesuré. Le sous-titre de la résidence Pierre Feuille Ciseaux est « Laboratoire de bande dessinée », et c’est exactement ça : on voulait filmer des savants au travail, peut-être même des savants fous. Nous n’avions qu’un seul exemple similaire en tête, le très beau documentaire de Martin Verdet, Les Archers, qui filmait la réunion de musiciens classiques dans un imposant manoir danois. Ce qui nous avait frappé dans ce film, c’est justement qu’il ne s’agissait pas vraiment d’un documentaire sur l’enseignement de la musique classique, ni d’un documentaire sur l’isolement insulaire au Danemark. C’était un mélange de tout cela, de l’anomalie circonstancielle qui menait à l’existence de cette résidence. Forcément, il y avait du mystère dans cette réunion dans un vieux manoir, et il y avait des fantômes dans ce manoir. Ces questions d’atmosphère, l’association ChiFouMi, organisatrice de Pierre Feuille Ciseaux, les entendait d’expérience et c’est ce qui a fait qu’elle fut la seule à comprendre ce que nous voulions faire au moment du tournage. C’est grâce à elle que nous avons pu filmer tous ces moments surprenants, où des laborantins tentent de vérifier leurs expériences artistiques. Nous ne tournions pas un film sur un courant artistique, sur un auteur plus ou moins célèbre, sur un lieu, ni même sur une manifestation. Mais bien sur l’incongruité d’une telle réunion. Ce n’est qu’au montage que nous avons pu convaincre nos autres partenaires du bien-fondé de notre démarche : l’objet du film apparaissait enfin dans sa multiplicité.

Propos recueillis par mail en septembre 2011
par Christian Rosset, compositeur et producteur à France Culture

Le Crépuscule

2010-11-15T10:42:00.008+01:00

Mise en scène : Guillaume Massart
Premier assistant mise en scène : Gwennaël Hertling
Montage image : Guillaume Massart et Charles H. Drouot
Mixage : Julie Roué
2010 - 16/9 - HD - 11 minutes 33 secondes

Batman et Spider-Man, James Bond et les cow-boys, attendent patiemment les vampires de la nuit.

CARRIÈRE EN FESTIVALS :

Oblò Film Festival [OFF] - Lausanne
(2, 3, 4 septembre 2011)

Mille mètres sous terre - Clermont-Ferrand
(fin 2011)

Laissez ici toute espérance

2010-11-04T12:21:00.006+01:00

Mise en scène : Charles H. Drouot

2011 - 16/9 - HD

Le complexe hôtelier Chinagora, au confluent de la Seine et de la Marne. Inexplicable reproduction kitsch de la Cité Interdite, seul l'hôtel, luxueux, survit encore.

Grand jardin impérial en déréliction, impression de vides, clients chinois oisifs : le lieu est le prétexte à une fiction fantasmée, où le Chinagora revêt les atours des Enfers.

Le film est achevé, en attente de sa première projection.

Julien Meunier

2010-10-06T02:21:00.011+02:00

Julien Meunier est né en 1978. Il partage son temps entre la bande dessinée et la réalisation de documentaires.

Après une maîtrise de cinéma à l'université de Censier, il fait un passage aux Beaux-Arts d'Angoulême pour étudier la bande dessinée.
De retour à Paris, il co-réalise un premier documentaire avec Dorine Brun, La Cause et l'usage (52 minutes, production Independencia), qui prend place dans la ville de Corbeil-Essonnes pendant les élections municipales de 2009, autour de la figure du maire-sénateur-capitaine d’industrie Serge Dassault.
En 2010, Découverte d’un principe en case 3, co-réalisé avec Guillaume Massart, est son second film.
Ces deux premiers films sont sélectionnés ensemble en Compétition Française au Cinéma du Réel 2012.

Visitez le blog de Julien Meunier

Après le feu

2010-08-31T00:10:00.070+02:00

Mise en scène : Jacques Perconte
Musique : Arnaud Castagné

2010 - 16/9 - HD - 7'09

Distribution :

À quelques kilomètres d'Ajaccio, la terre brûlée cède sous le poids de la couleur.

Le sol se fend et libère des énergies picturales qui s'emparent du ciel.

Je vois l'horizon disparaître, mais je le fixe.
Le train continue sa route...

READ THE PRESS KIT

Pour en savoir plus sur le film :
http://www.technart.net/Apres/

Le film est en couverture du n°94 de la revue BREF, daté Septembre-Octobre, et visible sur le DVD qui l'accompagne.

CARRIÈRE EN FESTIVALS :

Prix du Groupement National des Cinémas de Recherche
Festival Côté Court 2010
(9-19 juin 2010)

Illuminations, Galerie G, Paris
(4-19 juin 2010)

ETNA, Paris
(3 juillet 2010)

Désert Numérique de Saint-Nazaire le Désert
(22-25 juillet 2010)

Média 10-10, Namur
(16 au 20 novembre 2010)

Accès(s) cultures électroniques 2010 - Pau
(18 au 28 novembre 2010)

ECM/Cyberbase - Fort-de-France
(19 au 30 novembre 2010)

Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux - Paris
(10 décembre, 18h et 11 décembre 2010, 20h)

Soirée Bref au Mk2 Quai-de-Seine
(11 janvier 2011)

IFF Rotterdam - Rotterdam
(30 janvier 2011)

Traverse Vidéo - Toulouse
(16 mars 2011)

Vidéoformes 2011 - Clermont-Ferrand
(16 au 30 mars 2011)

Tribeca 2011 - New-York
(20 avril au 1 mai 2011)

Inconnu Festival 2011 - Paris
(25 avril 2011)

Backup_Festival 2011 - Weimar
(5 mai 2011)

6èmes Journées du film sur l’environnement - Aix-en-Provence
(20 mai 2011)

Fonlad 2011 - Mexico
(4 juin 2011)

Unlike Screenings à la Unlike Gallery - Berlin
(4 et 5 juin 2011)

MUSICVIDEOART#6 - Heure Exquise! - Mons en Baroeul
(9 juin 2011)

Péniche Cinéma - Paris
(23 juin 2011)

La Normandie et le Monde - Vernon
(30 juin au 3 juillet 2011)

Images contre Nature 2011 - Marseille
(16 juillet 2011)

IDSFFK - Kerala, Inde
(31 juillet - 4 août 2011)

Videoholica - Varna, Bulgarie
(5 - 12 août 2011)

Open Cinema - Saint-Pétersbourg, Russie
(20 - 28 août 2011)

Serial Box Projects - Columbia, Missouri
(été-automne 2011)

Down the Rabbit Hole - Sydney, Australie
(septembre 2011)

FiFi - St-Germain de Salles
(2 - 4 septembre 2011)

Split Film Festival - Savska, Croatie
(10 - 17 septembre 2011)

AniFestROZAFA - Tirana, Albanie
(12-18 septembre 2011)

PIXILERATIONS [v.8] - Providence, Rhode Island
(27 septembre 2011)

WNDX Festival - Winnipeg, Canada
(29 septembre - 2 octobre 2011)

International Fest of Contemporary animation & media-art LINOLEUM - Moscou, Russie
(29 septembre - 2 octobre 2011)

Cinémathèque Française - Paris
(28 octobre 2011)

Jihlava International Documentary Film Festival - République Tchèque
(25 - 30 octobre 2011)

Sounding Images - REDCAT/SCREAM Festival - Los Angeles
(novembre 2011)

Maàlich

2010-08-15T11:05:00.012+02:00

Mise en scène : Thomas Jenkoe
Image : Anthony Foussard
Renforts image : Gwennaël Hertling, Diane Sara
Montage : Guillaume Massart
2011 - 4/3 - HD - 1h24

Alfortville, au confluent de la Seine et de la Marne. Dans l'obscurité du Chinagora, vaste complexe hôtelier en décomposition avancée, des gens se croisent.

Ils sont employés, touristes, ou simples habitants du quartier, comme moi. Chacun devrait dormir mais aucun n'y parvient.

Le film est un poème sur notre Nuit, celle du dehors et celle qu'on porte en soi.

Contemplera-t-on une nouvelle aube se lever ?

Le film est en post-production.

Thomas Jenkoe

2010-07-09T13:20:00.005+02:00

Spectateur dès sa naissance, Thomas Jenkoe montre une inclinaison certaine pour le cinéma. Dès lors, tout s'enchaîne : acteur, scénariste, réalisateur de courts métrages... Il finit par co-écrire Passemerveille avec le réalisateur Guillaume Massart et Laurine Estrade, qui marque son entrée dans le documentaire de création.

C'est étrangement après cette heureuse expérience qu'il bascule du côté obscur de la Force. Factotum du film institutionnel, il est tour à tour directeur de production, assistant à la mise en scène, script doctor, réalisateur même, sur des films dont l'intérêt n'a d'égal que la variété des sujets : les produits bancaires, la téléphonie mobile, l'assurance multirisques et le prêt-à-porter.

Conscient que le temps passe vite et que la vie est courte, Thomas enfonce la touche rewind et retrouve Guillaume Massart : avec le concours de Charles H. Drouot, ils fondent Triptyque Films afin d'offrir au monde des joyaux pour l'éternité.

Il prépare actuellement un film sur le Chaâbi, entre Alger et Paris. Ainsi qu'un film insomniaque, Maàlich...

Laurine Estrade

2010-06-28T00:00:00.026+02:00

Laurine Estrade débute comme scénariste avec une première collaboration à l’écriture sur le documentaire Passemerveille (26 min, diffusé sur CinéCinéma Club), aux côtés du réalisateur Guillaume Massart. Elle travaille sur le scénario et le montage de son film suivant : Les Dragons n’existent pas, un documentaire de 45 minutes tourné en Champagne-Ardenne, en compétition lors du Festival Cinéma du Réel 2010.

Fidèle au documentaire mais aussi attachée à la fiction, elle scénarise des courts-métrages de fiction, dont Branchés (Prix du meilleur scénario au Festival de Saint Maur 2009) et Demeure (Prix d’écriture Claude Nougaro 2009).

Elle passe à la réalisation avec le documentaire court Introduire carte ou faire numéro libre, issu du collectif 1FILMPARMOIS1FILMPARNOUS, dont elle est la présidente.

Aujourd’hui, elle prépare avec Triptyque Films la réalisation de L’Enfant dans l’arbre.

Diane Sara

2010-06-21T00:13:00.011+02:00

Diane Sara est réalisatrice de courts métrages. Quand je serai grande, je serai footballeur, son premier documentaire, est un film à la croisée des genres cinématographiques. Un autoportrait composé au fil des ans par les différentes images enregistrées par ses caméras.

Travaillant avec Grégory Ghersy puis avec Maxime Brun depuis quelques mois, elle crée dans Quand je serai grande, je serai footballeur une partition cinématographique atypique, avec un seul but en tête : la recherche d'une certaine vérité. Ce moment où, l'espace d'une seconde, une personne se présente soudain face à vous, nue.

Tympanistan

2010-06-16T05:55:00.002+02:00

Site officiel - MySpace

Simon Cacheux, François Clos, Thibault Lefranc, Julie Roué et Grégoire Vallette : Tympanistan est un collectif de cinq musiciens-ingénieurs du son, ayant chacun fait un bout de chemin dans la musique, l'audiovisuel ou l'art contemporain.

En se rassemblant, ils proposent une façon originale de concevoir la bande son d'un film, où la musique, le montage son, le design sonore et le mixage sont en lien étroit, dans une recherche de fusion et de sens. La diversité et la complémentarité de leurs expériences et de leurs univers sonores leur permet de s'adapter à des démarches très variées.

Ayant précédemment accompagné le travail de Guillaume Massart sur le documentaire Les Dragons n'existent pas, c'est tout naturellement que le collectif entre dans l'aventure Triptyque Films.

Charles H. Drouot

2010-06-09T07:52:00.032+02:00

Touche à tout, Charles H. Drouot a passé quelques années à réaliser des fictions et à donner son avis un peu partout, en tant que premier assistant, docteur de scripts, étalonneur ou monteur. En 2010, il décide d'aussi devenir producteur.

D'où la décision de mettre en commun ses tripes avec celles de Guillaume Massart et Thomas Jenkoe pour donner naissance à Triptyque Films.

D'abord cantonné à la fiction, il s'ouvre à de nouvelles formes, entre documentaire, essai et fiction, après sa première incursion dans le réel avec Un Documentaire sur mon père (58 minutes, 2009, Filmover Productions).

Le coeur de son travail est la parole : celle des êtres qu'on filme, mais aussi celle de celui qui filme. L'art est pour lui une voix et il aime à jouer entre les langues et les accents, jonglant entre cinéma, littérature et musique.

Charles est le gérant de Triptyque Films.

Pingouins

2010-06-09T06:37:00.008+02:00

Réalisation : Collectif anonyme
Montage : Simon Kansara
2010 - 12 minutes - 4/3 - Mini-DV (found footage)

"Les vrais films sur les pingouins ne seront convaincants que le jour où un pingouin saura se servir d'une caméra."
(Chris Marker, 2003)

À la demande du collectif volontairement anonyme derrière le film, Pingouins ne circulera jamais autrement qu'en salles.

Aucun extrait vidéo n'en circulera jamais sur le net, aucune copie DVD n'en sera jamais tirée.

Aussi, lorsqu'il passera dans un festival près de chez vous, ne le ratez pas!

L'occasion ne se représentera peut-être jamais...

4-19 juin 2010, ILLUMINATIONS, une exposition d'art numérique

2010-06-07T09:40:00.016+02:00

- Nous sommes à l’ère du numérique – nous en sommes les acteurs - nos  enfants vivront avec, pleinement - nous parlons de 0 et de 1, de  matière et d’antimatière, d’obscurité et de lumière, d’amour     et de haine - nous avons une vision, faite de pixels et de sons -  des mondes imaginaires s’ouvrent à nous et nous les offrons à tous - ces  mondes parlent de nous, de notre condition humaine comme     un miroir de notre altérité changeante et mouvante - nous voguons  sur les flux du temps, dans une mer électronique - nous avons des  illuminations et elles se traduisent dans cet outil de la     modernité : l’art numérique - ici, c’est ouvert à tous, c’est  accessible à tous : pas de modes d’emplois, pas de discours explicatifs -  chacun peut vivre son expérience personnelle, vibrant avec     son corps au diapason de l’oeuvre, l’appréhendant, se l’appropriant  et dialoguant avec elle au gré de ses sensations - nous voulons ouvrir  une brèche dans le réel et exprimer le flot de nos     émotions né de cette illumination -

(Vincent Lévy)

Les artistes

Franck Ancel

Hsinli Wang

Antoine Schmitt

Hugo Verlinde

Vincent Lévy

Jacques Perconte

Cécile Babiole

Fred Périé

Lieu : Galerie G, 23 rue des Lilas 75019 Paris, M° place des Fêtes.

Téléphone 01 42 40 15 10

ENTREE LIBRE

Dates : Du 4 au 19 juin 2010 ouvert du mercredi au samedi de 14h à 19h

VERNISSAGE le 4 juin de 18h à 23h

(Exceptionnellement l’exposition sera ouverte le dimanche 6 juin de 14h à 20h en raison de sa participation au « Parcours Art Contemporain 19 » organisé du 4 au 6 juin par la Mairie du 19ème)

Commissaire d'exposition : Rebecca Young (Téléphone 0661919608)

Coorganisateurs : Hugo Verlinde, Vincent Lévy,

l'Association L’Art au Garage

Graphismes (affiche, flyer) : Pierre-Jean Canac, photo: Vincent Lévy

Programmation de films : « 50 ans d’art numérique »
(en 2 parties)

2 programmes conçus et présentés par Bidhan Jacobs, maître de conférence à l’Université Lyon 2.

1ère partie: mercredi 9 juin à 19h30

2ème partie: mercredi 16 juin à 19h30.

Entrée 5 euros par soirée.

Réservation vivement conseillée artaugarage@gmail.com

Réservez votre copie du DVD ILLUMINATIONS (seulement 100 exemplaires à 10 euros, artaugarage@gmail.com)

Découvrez le café et le bar à vin de l'art au Garage pendant toute la durée de l'exposition!

Accès WIFI.

Avec la participation de la Cave de Bissey sous Cruchaud, Saône et Loire

Chaâbi, le pays de la musique intérieure

2010-06-05T14:14:00.011+02:00

(titre de travail)

Mise en scène : Thomas Jenkoe
2011 - 52 minutes - 16/9 - HD

En coproduction avec Black Bird

Entre Paris et Alger, les trajectoires en musique de cinq jeunes Chaâbimen, exilés en France ou rentrés au Bled.

À travers eux, c'est le portrait d'une certaine jeunesse Algéroise qui se dessine.

Le film, qui nécessite de nombreux repérages, est en phase d'écriture et de recherche de financements.

Quand je serai grande, je serai footballeur

2010-06-05T14:01:00.028+02:00

Mise en scène : Diane Sara
Montage : Gregory Ghersy, Maxime Brun, Charles H. Drouot
2011 - 16/9 - HD

Merci à Julien Meunier pour l'affiche

Journal intime filmé sur deux ans entre Paris, Berlin, Montréal et New York, Quand je serai grande, je serai footballeur est le récit qu’une jeune femme tente de construire à partir de fragments de vie attrapés à la volée.

Deux années d’errance filmées caméra au poing. Deux années durant lesquelles se croisent les hommes de sa vie : parents, amis, amants.

Des hommes, mais aussi une femme, qui disparaît, là-bas, de l’autre côté de l’Atlantique : Britney Spears.

Vous avez bien lu.

Le film est en fin de post-production.

Une première version a été montrée à la Galerie G du 18 octobre au 5 novembre 2011, dans le cadre de l'exposition DO 1 MOVE Y0U. Découvrez les photos de cette exposition, prises par Marie Dubaille.

Une version intermédiaire est exposée dans le cadre de La Semaine de l'Art à Pauillac, du 20 au 25 février 2012.

L'Enfant dans l'arbre

2010-06-05T14:00:00.013+02:00

Mise en scène : Laurine Estrade
2011 - HD

Coproduction : Triptyque Films & France 3 Languedoc-Roussillon
Avec le soutien de la Région Languedoc-Roussillon et du CNC - Cosip

Les bancs de l’école primaire Léon Blum de Perpignan, sont fréquentés presque exclusivement par des enfants issus de la communauté gitane sédentaire de la ville.

Plusieurs mois durant, le film vient régulièrement se mêler à ces enfants. Peu à peu, les enfants définissent leur place, entre la réglementation de l’institution et les lois culturelles de la communauté gitane.

Le film est en tournage.

Jacques Perconte

2010-06-04T09:33:00.019+02:00

Site officiel - Blog - Presse - Filmographie - Mailing List 

Né en 1974 à Grenoble, Jacques Perconte vit et travaille à aujourd’hui à Paris après avoir passé une vingtaine d’années dans le sud-ouest. Il est reconnu comme l'un des pionniers français de l'art sur Internet. Il est l'un des tous premiers à avoir travaillé la vidéo par les codecs (travail sur la compression et la décompression).

« Jacques Perconte pratique la photographie, la vidéo, la création numérique et la musique ; il explore les ressources conjuguées du corps, du paysage et de la couleur détachés d'une inscription limitative et contraignante. Caractérisée par l'altération programmée, par la puissance entraînant toute production dans la tension d'un flux constamment renouvelé, son œuvre est avant tout destinée à être vécue, partagée dans une expérience à la fois ouverte, mouvante et resserrée. Son sens réside moins dans les forces qui s'y dépensent que dans les états affectifs suscités. Il ne consiste pas en la cohérence issue d'une structure unifiée, mais dans l'énergie d'une déambulation intime s'offrant à l'imagination en changeant constamment la nature de sa focalisation. »

Didier Arnaudet, Art Press / Mai 2008 / n°34

Après une entrée en matière très classique par le dessin et la peinture, Internet et la vidéo ont été les grands points de départ de son œuvre. Ses premiers films datent de 1995 et ses premières œuvres Internet de 1996-1997. Ses créations sont très régulièrement montrées depuis 1996. Le site technart.net est la principale interface. En 2006, il ouvre le blog qui concentre, peu à peu, toutes les archives de ses activités (articles, notes, performances… la toile est gigantesque).

Fondateur du groupe de recherche metamorph[1], membre de la communauté internationale rhizome[2] depuis 1998, membre fondateur de l'association paradoxal, membre fondateur du collectif ewmo[3], membre du collectif Pavu.com (2001), membre fondateur du premier collectif délocalisé de netart français lieudit[4], il collabore fréquemment avec d'autres artistes. On peut compter parmi eux Michel Herreria (peintre), Didier Arnaudet (poète), Marc Em (musicien), Hugo Verlinde (cinéaste)…

La relation entre le fond et la forme n'est jamais mise à l'écart, même si son travail tend à devenir moins théorique. Son travail navigue entre une écriture de la fiction sur différents médias et une recherche formelle qui expose l'image du corps et sa mise scène sur les supports numériques.

Il a acquis une maîtrise singulière de la technologie qui sert son savoir-faire dans l'art du cadre et de la couleur. Il cherche à faire des technologies numériques des médiums aussi riches plastiquement que les supports classiques des arts.

Jacques Perconte essaie d'ouvrir son travail et sa démarche à des fins pédagogiques pour désacraliser la position de l'artiste et partager chaque étape de la réflexion à la conception. De plus en plus, sur chaque œuvre, il porte une attention particulière à la conservation des éléments fondateurs et à la fabrication d'images documentaires.

Parmi ses oeuvres, on peut citer :

· Pour les films : Pauillac, Margaux (2008) uishet (2007), uaoen (2003) et isz (2003).

· Pour la photographie : 38degrés (2003-2007), corps numériques (2002).

· Pour les oeuvres numériques : I love you (2004), Chi Ocsha (2001-2005), tempo e pause (2001).

· Pour les installations : Soldes d'hiver (Bordeaux, 2008), Entre le ciel et la terre (Evry, 2007).

L'année 2008 a été marquée par le succès des expositions « it's all about love » à Pessac et à Lyon, avec l'article de Didier Arnaudet dans Art Press et par la très médiatisée installation monumentale « Soldes d'hiver » commissionnée par Michard Ardillier dans la Galerie Bordelaise début Janvier et la sortie du film Pauillac, Margaux.

En 2009, il participe, avec Satyagraha, au film collectif OUTRAGE&REBELLION, qui réunit 45 auteurs, dont Jean-Marie Straub, Pierre Léon, Ange Leccia, Sylvain George ou encore Peter Whitehead, en réaction aux événements de répression policière de Montreuil, qui coûtèrent un œil au jeune cinéaste Joachim Gatti.

Jacques Perconte réalise actuellement une oeuvre dans le cadre du 1% artistique en région Aquitaine (Saint- Symphorien) (2010). Il prépare quatre nouveaux films : l’un sur l'île de Patiras sur l'estuaire de la Gironde, l’autre sur quelques paysages de la Castanica en Corse, un troisième autour d'un spectacle qu'il écrit avec la danseuse chorégraphe Caroline Desmaison et le pianiste Benjamin Moussay, et le dernier, Impressions, produit par Triptyque Films, sur les traces des Impressionnistes en Normandie.

« Comme rien de la machine ne lui est étranger, Jacques Perconte sait pousser celle-ci à ses limites, penser à partir de ses insuffisances, créer en fonction de ses erreurs. La machinerie informatique pour lui n’est pas fidèle au monde en ce qu’elle serait capable d’en enregistrer et traiter les apparences, mais parce qu’elle peut dégager des vibrations, en particulier chromatiques, non pas mimétiques, mais analogues aux vibrations du réel. Auteur d’une vingtaine de films, de plusieurs expositions monographiques, il déclare : "Je ne cherche pas, je m’aventure!". »

Nicole Brenez, historienne du cinéma et
chargée de la conservation du cinéma d'avant-garde à la Cinémathèque Française.

[1] Metamorph : rapprochements entre arts et sciences affilié au CNRS dans le cadre du SIRA, dirigé par Robert Vergnieux, 1997-2000.

[2] Paradoxal : collectif de cinéma indépendant en Aquitaine 1999-2005.

[3] Ewmo : collectif, installations et performances de musique et vidéo électronique 2001-2004.

[4] Lieudit : avec entre autres Yann Leguennec, Annie Abrahams, Pierre Cuvelier, Nicolas Frespech, Antoine Moreau, Karen Dermineur…

Filmographie

2010 Impressions, HD, 26min, Triptyque Films.
2009 Après le feu, HD, 7min
2009 La marche au coeur d'Annette, HD, 12min.
2009 Satyagraha (OUTRAGE&REBELLION), HD 5min.
2009 Le passage, HD 6min.
2008 Pauillac, Margaux, HD 10min.
2008 Hung Up, HD 5min.
2007 uishet, HD 13min.
2007 white altaïr, (d'après Hugo Verlinde) HD 3min.
2007 Le soleil de Patiras, 3min.
2006 M’pempba, avec Roger Djiguembé.
2005 octobre, 2min.
2005 k.a.r.a.o.k.e, avec Michel Herreria.
2005 Saint Augustin, SD 10min.
2005 Starkles, 38min.
2003 uaoen, SD, 29min.
2003 isz, SD, 17min.
2002 snsz, SD 29min.
2002 nszra, SD.
2002 wissszzz wiiijing
2002 esz, SD 4min.
2002 xsz,SD 4min.
2001 I'm a slave for you
2001 Phex, SD 145min.
2001 Tempo e pause, SD 60min.
2001 matre zias e imaji imacul, SD 132min.
1999 promenade, SD 11 min.
1999 Chloé
1998 Corps Numériques, SD 44min.
1997 Ncorps, SD 43min.
1997 Sables, SD 63min
1996 razer, SD 6min.
1995 azar, SD 17min.

Guillaume Massart

2010-06-04T01:26:00.018+02:00

Né en 1983 à Revin, dans les Ardennes, Guillaume Massart met en scène des documentaires.

Son premier film, Passemerveille (26 minutes, 2009, AMIP), a été montré au FID Marseille 2009 et au Festival d’Amiens 2009, et a été diffusé le 13 février sur CinéCinéma Culte.

Les Dragons n’existent pas (45 minutes, 2009, production Black Bird), son second film, est sélectionné au Cinéma du Réel 2010, à Paris.

Pompéi (nouvelle collection) (6 minutes, 2009, production Triptyque Films) est son troisième court métrage. Il a été montré au festival Films Motions de Zagreb en 2009 et aux Beaux-Arts de Paris début 2010

Il vient d'achever Le Crépuscule (11 minutes, 2010, production Triptyque Films).

Avec Thomas Jenkoe et Charles H. Drouot, il crée en 2010 Triptyque Films. Il partage désormais son temps entre la production des films de Triptyque et ses nouveaux projets : Découverte d'un principe en case 3, avec Julien Meunier, et Physiopolis IV, avec Adrien Mitterrand.

Pompéi (nouvelle collection)

2010-06-02T18:24:00.098+02:00

Mise en scène & montage : Guillaume Massart
Son : Arnaud Lanusse
2009 - 6'03 - 16/9 - HD

Télécharger le dossier de presse

Un visiteur du futur fouille les vestiges de notre société contemporaine, tel un archéologue les ruines de Pompéi.

Entretien avec Guillaume Massart

D'où viennent les matériaux de ce film ?
Les photographies ont été prises un soir de 2005, à Nantes. Il y avait une atmosphère étrange, comme un parfum d'apocalypse. Les rues étaient complètement vides, comme le sont souvent les quartiers commerciaux après la fermeture des magasins. Ne restaient que les mannequins dans les vitrines allumées, étranges vigies, laides, parfois mutilées. J'étais dans ce quartier pour photographier ces trois statues qu'on voit dans le film et qui me fascinaient, parce qu'on avait l'impression qu'elles dansaient en l'air.

Tout cet univers m'a immédiatement évoqué Pompéi : ces corps inanimés exposés dans la rue, et puis ces Converse qui cramaient dans une vitrine, cette étrange installation holographique... La fiction, immédiatement, s'imposait. J'ai donc passé ma nuit à photographier, en m'imaginant archéologue du futur marchant dans un Pompéi moderne. Je savais déjà - avec La Jetée de Marker en tête, évidemment, on ne peut pas faire un film comme celui-ci sans y songer - que ces photographies seraient les plans du film. C'était une évidence esthétique qu'il ne fallait pas filmer. Il fallait restituer ce musée morbide dans sa fixité. Et pourtant, le film ne s'est pas fait : il est resté quatre ans dans mes tiroirs sans que jamais je ne parvienne à le monter.

Quand Nicole Brenez m'a contacté, j'avais un mois pour répondre à la commande, qui autorisait une grande liberté : il y avait urgence, il fallait agir vite, la situation l'exigeait. Je revenais des Ardennes où je venais de finir un film sur des ouvriers confrontés à la désindustrialisation, Les Dragons n'existent pas. J'ai d'abord pensé repartir dans les Ardennes, pour filmer le commissariat de la petite ville de Givet, ses locaux neufs isolés au milieu d'une cité EDF très Desperate Housewives. Mais je ne trouvais pas vraiment d'angle.

J'ai alors cherché dans les chutes d'images et de sons des Dragons, s'il n'y avait pas un court-métrage caché dans tout ça, que je n'aurais pas encore monté. Et j'y ai trouvé le son de Pompéi (nouvelle collection) : des enregistrements des coulisses d'une vente aux enchères dans une usine fermée depuis deux ans, l'usine Thomé-Génot de Nouzonville, en décembre 2008.

Pompéi, auquel je ne repensais plus, m'est revenu immédiatement : lorsque nous avions visité l'usine, tout y était resté figé depuis la fermeture, les ateliers, les machines... On trouvait même les reliefs des derniers repas des ouvriers dans les vestiaires... Et ce film qui restait dans mes tiroirs depuis quatre ans, qui était tourné, partiellement écrit et que je n'arrivais pas à monter, je voyais soudain comment l'achever.

Au départ, il y a quatre ans, quand j'imaginais le film, j'avais d'abord envie d'une voix off. Et puis l'idée des sous-titres est venue progressivement, je trouvais notamment que ça permettait de conserver la dimension épistolaire, d'y être plus fidèle. J'avais eu l'idée d'enregistrer dans une galerie commerciale, le brouhaha. Mais c'était une solution simpliste, qui se mordait un peu la queue et quelque part annulait un peu la métaphore, en la surlignant. Avec ces voix d'ouvriers, ces histoires de livraisons, il me semble que je vais «d'un bout à l'autre de la chaîne».

Et les citations de Pline Le Jeune ?
Je me suis lancé dans des recherches sur Pompéi dès 2005, dans la foulée des prises de vues. Le lendemain, je suis tombé sur des lettres de Pline Le Jeune dans la bibliothèque municipale de Nantes. Je tenais l'histoire du film, pour que cela ne soit pas une simple déambulation désenchantée. Il fallait contrebalancer le côté désincarné des mannequins par de l'humain.

L'idée de ce parallèle entre Pompéi et aujourd'hui, c'était d'imaginer le point de vue d'un visiteur du futur qui découvrirait les décombres de notre société. Il verrait les reliefs de notre société de consommation. Une forme d'archéologie du futur. Mais je ne voulais pas d'une exploration clinique : l'histoire de ce jeune homme qui cherche son père dans les ruines de la civilisation apportait une dramaturgie, de l'espoir, du cœur, de l'émotion. Du suspense, peut-être.

Le projet est collectif, mais la démarche n'est pas spontanée: vous avez été sollicité. Auriez-vous pu réaliser ce film sans une impulsion extérieure?
Non. Cette impulsion était nécessaire. Sans cela, on n'aurait pas eu l'idée ni même la possibilité de travailler ensemble à un même projet, cinéastes reconnus et cinéastes confidentiels.

J'ignore si cela préfigure un retour du cinéma politique comme dans les années 70, si d'autres collectifs naîtront dans la foulée avec l'envie de réaliser d'autres films, en écho, en réponse, ou même en réaction à ceux-ci - dont on peut évidemment discuter, qui ne sont pas là pour être aimables. Toujours est-il que la démarche démontre que l'urgence permet l'action.

J'ai en tête un autre exemple récent, 100 JOURS. Cent documentaires courts à suivre tous les jours sur Internet, pendant les cent jours précédant la dernière présidentielle, et dont sont sortis quelques très beaux films, 66% de Camille Fougère, par exemple.

Un film du collectif qui vous ait plu ?
Les films que je préfère sont ceux qui ont emprunté des chemins de traverse, qui ont décidé de ne pas aborder directement le cas de Joachim Gatti mais ont préféré élargir le champ, répondre à la commande par une vraie proposition de cinéma. Je pense à Pierre Léon, à Marc Hurtado, à Sylvain George…

Le film sur Gandhi, Satyagraha, de Jacques Perconte, se démarque, par exemple. Parce qu'il s'est écarté de toute facilité de commande, ne serait-ce que pour cela, pour son projet esthétique et son mystère. Et puis, maintenant que les films vont circuler sur le net, j’imagine bien les internautes se demandant si leur connexion ne buggue pas…

Propos originellement recueillis par Ludovic Lamant
et retranscrits par Pierre Lascar, pour Mediapart.

Pompéi (nouvelle collection) est un des 45 fragments du film collectif OUTRAGE&REBELLION, réunissant autant d’auteurs (cinéastes, vidéastes, plasticiens, chanteurs, écrivains, graphistes) plus ou moins connus (Jean-Marie Straub, Philippe Garrel, Pierre Léon, Ange Leccia, Jacques Perconte...), pour donner une suite en images aux événements de Montreuil en juillet 2009, où un jeune cinéaste, Joachim Gatti, perdit un œil sous les tirs de flashball de la police française.

CARRIÈRE EN FESTIVALS :

Filmske Mutacije 2009 - Zagreb

Bobines Sociales 2010 - Paris

Hors-Cases 2010 - Aix-en-Provence

Beaux Arts - Paris

Silver Spring Experimental Film Festival 2010 - Takoma Park - USA

AlCine ShortLatino 2010 - Madrid - Espagne

LES PHOTOS DE L'EXPOSITION DO 1 MOVE Y0U À LA GALERIE G (merci à Marie Dubaille)

2009-11-21T17:44:00.000+01:00